Città portuale (1948)

Il risultato, pur con qualche eccesso didascalico, è un'opera più compiuta e matura delle precedenti, incorniciata suggestivamente dalla magnifica fotografia di Gunnar Fischer, alla prima collaborazione con il regista (il loro straordinario sodalizio artistico si interromperà con L'occhio del diavolo nel 1960) e interpretata con convincente ispirazione dalla coppia di giovani protagonisti.

Le ragioni della riuscita di Città portuale vanno senz'altro ricercate nella ripresa, opportunamente rielaborata, dei temi-cardine della poetica cinematografica del Bergman degli esordi: dalle dilaganti pulsioni materialistiche della società svedese del dopoguerra ("Perchè alcuni hanno tutto e altri non hanno mai niente?") al peso di un passato ingombrante a tormentare minacciosamente la felicità di un amore appena sbocciato, dalle incomprensioni generazionali nel rapporto tra genitori e figli ("Sarebbe facile dare tutta la colpa ai miei genitori", riconosce Berit, dimostrandosi sincera nell'individuare e analizzare i propri e gli altrui errori che hanno segnato la sua vita) al disagio giovanile ("Voglio essere libera! Nessuno lo capisce: io voglio solo essere me stessa, lasciatemi in pace!", grida in lacrime Berit all'assistente sociale), dai traumi dell'infanzia (i flashback di Berit bambina che assiste terrorizzata ai litigi tra il padre e la madre) all'erotismo (le calze strappate di Berit, che Gösta le sfila dopo la rissa con i tre ubriachi, o un nudo femminile durante il racconto in flashback di Berit sulla sua vita in riformatorio) e ai fremiti della passione (la fuga romantica in albergo di Gösta e Berit, marito e moglie per un weekend) dall'incisività nell'affrontare, di volta in volta, le tematiche socialmente più urgenti e controverse (in questo caso l'aborto: "Conoscevo una ragazza ricca che restò incinta di un bambino ritardato. Ebbe un aborto, organizzato dal Ministero della Sanità, con un chirurgo famosissimo"; "E questo che cosa c'entra?"; "Noi che non siamo così ricchi dobbiamo arrangiarci come possiamo") allo spettro della solitudine ("È una cosa orribile essere soli"), dall'egoismo alla fuga rigeneratrice.

Da un punta di vista narrativo il film segue le canoniche evoluzioni drammaturgiche delle opere giovanili di Bergman: del dramma psicologico, infatti, il regista sposa l'attenzione verso le cause e le conseguenze di un trauma (il film si apre con il tentato suicidio di Berit), per poi immergerne l'analisi nel pathos di una tormentata vicenda sentimentale. Il flashback, invece, è il bisturi "grammaticale" attraverso cui si compie la trasfigurazione terapeutica, rivelando ogni mistero nascosto, consentendo di "smascherarne" le origini e liberando i personaggi dal peso opprimente di un oscuro passato. Inoltre le loro strade, prima di incontrarsi, devono affrontare difficoltà ambientali, storiche, culturali: la società che li accoglie, infatti, è un universo potenzialmente ostile, dominato da un Potere castrante e implacabile di fronte a qualsiasi ambizione "eversiva". La stessa mitizzazione della forza d'amore che colora di speranza i finali di queste prime opere bergmaniane, in cui i protagonisti vengono, almeno parzialmente, ripagati per le ingiustizie subite e si completa (o rinasce in un nuovo inizio) il loro tormentato percorso sulla "strada verso la felicità", è sempre subordinata alla benevolenza del Caso: un velo d'amarezza, perciò, finisce sempre, inesorabilmente, per increspare il sollievo liberatorio dell'happy end. La spregiudicatezza dello sguardo (l'erotismo), infine, non nasce soltanto dalle libertà dei costumi, ma è anche necessaria sottolineatura per avvicinare il più realisticamente possibile i personaggi e i drammi rappresentati a quelli della quotidianità: splendida, in questo senso, la sequenza con Berit e le sue compagne di stanza nel riformatorio, piccolo capolavoro di irresistibile sensualità. Rimane, comunque, l'evidenza che Città portuale, rispetto alle opere precedenti, goda di una maggiore cura formale ma anche di una minore spontaneità, nonostante, paradossalmente, l'approccio (neo)realistico che ne influenza scelte stilistiche, urgenza degli argomenti ed evoluzioni del racconto. L'anno seguente, con La prigione (ultima - ma la più preziosa - collaborazione con il produttore Lorens Marmstedt), arriverà un fondamentale punto di svolta per una nuova, esaltante (ri)partenza.