La kermesse eroica (1935)

Del tutto esente comunque la tentazione “parodistica”: l’umorismo è salace e graffiante e se qualche piccolissimo peccato gli si può imputare, questo va circoscritto  a una forse un tantino accentuata “venatura” nostalgica per un’epoca lontana e  “leggermente” idealizzata.
La scenografia poi (vero e proprio punto di forza con i costumi anche per il Mereghetti, che non ne può oggettivamente disconoscere il valore) è  importante, sfarzosa e vitale (vi si “respira” l’aria fiamminga dei riferimenti pittorici a Breughel e Vermeer), per nulla teatraleggiante , né dal sapore stantio freddo e  un po’ museale delle stampe d’epoca. Tutt’altro che di impianto accademico, risulta al contrario così vivida e naturale da proiettarci direttamente “dentro le cose, nelle vie e nelle case” di una posata tranquillità borghese, in luoghi reali “riconosciuti” e ritrovati immutati  nel tempo, fra i placidi campi e i calmi canali quali sono rimasti ancora oggi, senza che nemmeno l’architettura della città ed i suoi ambienti interni siano stati artatamente ricostruiti, o riadattati con abbellimenti strutturali (e il risultato straordinario del lavoro creativo è dovuto a un team operativo che unisce il prestigio dell’eccellenza di Lazare Meerson, a quello altrettanto “superiore” di Alexandre Trauner e Georges Walkhevitch, suoi insostituibili collaboratori in questa stimolante circostanza). I costumi (di G. K Benda)  sono a loro volta sontuosi, ma non carnevaleschi, perfettamente allineati alle intenzioni registiche  (il senso di ascendenza fortemente pittorica dell’insieme) che grazie anche all’ausilio della splendida fotografia di Harry Stradling e Luois Page, hanno contributo a trovare con una sintonia bilanciata  molto lontana da un intellettualistico e sterile vezzo di “esercitazione stilistica”, l’intima ispirazione suggerita proprio dalle esigenze narrative, e di reinventare così le vicende del proprio paese e delle proprie genti totalmente calate nel clima degli anni di riferimento, proprio come lo immaginiamo non solo ammirando i quadri dei due pittori sopra menzionati, ma anche quelli altrettanto significativi dei Jordaens, dei Rembrandt e degli Hals, mediando cioè il passaggio dalla staticità delle tele alla vivace mobilità in movimento dello schermo con assoluta efficacia e precisione e soprattutto lasciandone inalterato il senso.
E’ interessante e singolare inoltre anche il rispetto dei canoni tradizionali dell’unità di luogo e di tempo (tutto si svolge “dentro” lo spazio deputato del paese, nell’arco di ventiquattr’ore): la frammentarietà degli episodi è ricondotta così a sua volta  ad  un’“armonia” quasi corale, ma con il giusto ritmo cinematografico che rende dinamica la percezione e con la stessa attenzione sia all’episodio principale che ai tanti secondari e più marginali che gli fanno corona, tutti curati con la necessaria considerazione per esaltarne il bonario candore, la loro malizia e gli equivoci sottintesi che si portano appresso.
Ed è proprio questo tono tutto particolare, quello appunto con il quale Feyder ha trattato la materia, a fare di questo film un’opera unica, che si pone davvero al di fuori di ogni “riconosciuta” corrente, anche di quelle di maggiore influenza  (accreditabili ai Clair e ai Lubitsch , tanto per intenderci)  e resta ancora oggi inimitata e forse inimitabile in quel suo essere un inno alla vita – scappatelle coniugali comprese - dove l’originario spunto pacifista riesce a traslarsi però in una garbata esaltazione di pseudo” prevaricazione femminista, perché qui le donne (e cito ancora il Mereghetti) si dimostrano più coraggiose, più intraprendenti e anche più furbe degli uomini.
Ottimamente adeguata anche la recitazione di tutti gli interpreti (in primo luogo proprio quella di François Rosay nel ruolo della moglie del Borgomastro, attrice di forte impatto e carismatica presenza, utilizzata dal regista – unica del cast originale - anche per la versione tedesca girata in contemporanea, come spesso accadeva in quegli anni).