Jane Eyre (2011)

Accolta quasi moribonda dal giovane ecclesiastico John Rivers e dalle sue due sorelle, Jane trova lavora come insegnante di una scuola clericale e l’arrivo in una nuova piccola casa di campagna dà l’avvio a un lungo flashback che occupa lo spazio di tutto il film e che, inevitabilmente, presenta qualche problema con il dosaggio dei tempi. Con il finire mortificata è la parte inerente all’infanzia di Jane, dalla morte dei genitori ai soprusi inflitti dai terribili e viziati cugini alle angherie dell’insopportabile zia Sarah, mai redenta neanche in punto di morte. La scelta operata è coraggiosa perché con pochissimi fotogrammi il regista ricostruisce gli elementi essenziali che confluiranno nella psicologia di Jane: la caparbietà, l’ostinazione, la sfida alle imposizioni, lo spirito di libertà, le vessazioni religiose con le continue minacce ricattatorie che vedono protagonisti demoni terreni e inferni oltre la morte. Anche il rapporto a Lowood tra Jane e la compagna Helen, morta di tubercolosi, è solo accennato così come velocemente si evidenziano le violenze fisiche e le umiliazioni inferte alle piccole bambine, dal piedistallo dell’infamia alle vergate sul collo, date per evitare che le allieve alzassero la testa più del dovuto.
 
 
Con l’uscita di Jane dal collegio, si entra nel corpus principale. Chiamata per far da istitutrice – altro elemento autobiografico che la Bronte ha inserito per “vendicarsi” della sua esperienza nel campo, in quanto anche lei istitutrice – alla piccola Adele, figlia di una donna francese che in punto di morte l’ha affidata all’affascinante e scontroso mister Rochester. Chi non conosce il romanzo, qui rimarrà spiazzato: non si chiarisce mai che cosa rappresenti Adele per mister Rochester, anche se una serie di fulminanti battute condite da humour inglese lasciano intendere che la mamma della bambina non fosse una semplice amica. Tutto procede come da letteratura, passa del tempo e mister Rochester rientra a casa rimanendo subito ammaliato da Jane e dalla forza dignitosa che traspare dai suoi occhi, capace di risvegliare demoni e spiriti e di liberare l’anima dell’uomo da una maledizione che l’accompagna da 15 anni.
 
 
Come Jane Eyre è lontana dallo stereotipo della ragazza remissiva e timorata di Dio, Mister Rochester è l’esatto contrario dell’eroe romantico per antonomasia: amante della bella vita, masochista, sadico e dall’umore altalenante, il cui fascino esteriore nasconde una bruttezza interiore che spaventa tutti coloro che lo circondano. Ed è anche l’esatto contraltare di Jane: brutta fuori e animo puro, nascosto tra i fantasmi della mente. Prevedibilmente i due cominciano con l’avvicinarsi l’uno all’altro, grazie a estenuanti conversazioni sostenute da dialoghi che esternano l’introspezione presente nel romanzo e da una recitazione in cui Fassbender e la Wassikowska alzano i toni e fanno a gara a chi fornisce la migliore performance, giocata su più piani e che punta su molti elementi prossemici e cinesici. Nulla è lasciato al caso: sguardi, distanze che limano gli spazi, movimenti del corpo e delle mani comunicano più delle parole, soprattutto quando l’elemento gotico inonda la storia. L’alba nella camera da letto di mister Rochester, dopo il misterioso incendio che ne distrugge le tende, rappresenta l’apice della prova che i due offrono riuscendo a far palpitare anche un bacio soffertamente mancato che rimarca la sessualità pudica e/o repressa con cui i protagonisti della vicenda sono silenziosamente in lotta.
 
 
A proposito dell’elemento gotico, l’atmosfera di Thornfield ricorda spesso quella ricreata magistralmente da Amenabar in The Others, nonostante nessun fantasma si palesi dall’oltretomba. L’unico fantasma della storia è vivo e vegeto e mi fa piacere rilevare come sia interpretato da un’attrice italiana di cui da qualche tempo si erano perse le tracce. In mezzo ai nomi altisonanti dei due giovani attori protagonisti, di una splendida Judi Dench che rappresenta la ciliegina sulla torta nel ruolo dell’anziana e lucidissima governante di casa Rochester, di un Jamie Bell che danza leggero nelle vesti dell’ambiguo missionario John Rivers, di una Sally Hawkins detestabile nella parte di zia Sarah e dell’insopportabile voce di Imogen Poots che incarna tutto il marcio della nobiltà inglese, si staglia in pochi frammenti la nostra Valentina Cervi che, con la sua corvina chioma, rappresenta l’alter ego di Jane e della stessa Bronte, racchiudendo in uno sguardo folle e allucinato tutto ciò che la Wasikowska a dovere reprime nel restituirci la psicologia della protagonista.
 
 
Altra protagonista dell’opera è indiscutibilmente la fotografia. Adriano Goldman ci regala ombre e luci che seguono l’evolversi delle stagioni senza mai aver bisogno di ricercare immagini consolidate. Basta il riverbero di un camino acceso o il fiorire di un pesco sotto i raggi del sole per determinare il tempo dell’azione e gli stati d’animo dei protagonisti, come nel caso della gelida e grigia atmosfera che accompagna il tentativo di matrimonio di Jane e Rochester e ne preannuncia l’epilogo. La natura dà la mano ad ogni passo della storia, fotografata spesso con larghe vedute che mostrano terre sconfinate o rocce nere su cui adagiarsi aspettando invano che arrivi la morte. Non sono da meno la ricostruzione degli ambienti a opera di Will Hughes-Jones, i costumi dettagliatamente ricreati da Michael O’Connor e le musiche mai invasive (anzi, spesso sottotono) di Dario Marianelli, che in un’operazione ardita mette in note anche una poesia di Lord Byron.